INTRODUCCIÓN: COORDENADAS HISTÓRICAS, CRONOLOGÍA Y
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL RENACIMIENTO
Los Orígenes italianos
- Italia nunca perdió el espíritu clásico, conservándose incluso, en cierta medida, durante toda la Edad Media, durante el Románico y el gótico.
Cronología del renacimiento en Italia
El "Trecento"
- Durante el siglo XIV comienza su gestación, aún en pleno gótico.
- En escultura los Pisano y en pintura los Primitivos Italianos de la Escuela de Florencia y de la
Escuela de Siena nos permiten ya hablar de un Proto-Renacimiento. Como centro artístico destacan las ciudades de Pisa, Florencia o Siena.
El "Quattrocento"
- El siglo XV es la etapa de desarrollo, todavía experimental.
- Surge una nueva estética, un nuevo sentido de la belleza, un nuevo estilo, el Renacimiento
(término acuñado por Vasari en el siglo XVI), debido a que "renacen" los ideales de la
antigüedad clásica, la cultura grecorromana, pero no es una imitación, sino un punto de partida
para el nuevo espíritu y para las nuevas realizaciones del hombre. La capital artística de este
primer Renacimiento es Florencia.
El "Cinquecento"
- El siglo XVI es el momento del pleno Renacimiento. Como centro del arte la ciudad de Roma.
El Manierismo
- Hacia la tercera década del siglo XVI se produce una reacción anticlásica que ponía en
cuestión los ideales de belleza del Renacimiento vistos más arriba.
- El origen del concepto de Manierismo está en la expresión italiana "alla maniera di...", es decir siguiendo la línea de Miguel Ángel, Rafael, Leonardo. La época del Manierismo es de cambios políticos (Italia campo de batalla entre España y Francia, "Sacco di Roma" en 1.527) y religiosos
(la reforma protestante pone en entredicho la supremacía de Roma), terminando con el
optimismo humanista.
Extensión del Renacimiento al resto de Europa y España
- El Renacimiento será universal, extendiéndose desde Italia al resto de Europa. Pero no será
uniforme y homogéneo, en cada país la tradición local condicionará su desarrollo y lo llenará de
matices.
Características generales del Renacimiento: la nueva concepción del arte
El Humanismo
- El Humanismo cambia la concepción medieval del hombre, el hombre vuelve a ser el centro de
todas las cosas, apareciendo un nuevo hombre que introducirá cambios en todas sus
manifestaciones, sobre todo en la cultura y el arte, ya que el nuevo hombre necesita un nuevo
lenguaje a su medida.
El Racionalismo
- La realidad es comprendida a través de la razón y los artistas investigan racional y
científicamente ciertos aspectos de la arquitectura, la pintura o la escultura antes de llevar a cabo
sus obras.
La desaparición del anonimato artístico: El artista
- Como consecuencia del protagonismo del hombre en esta época, desaparecerá el anonimato
artístico, se comienza a valorar al autor, basándose a partir de ahora la Historia del Arte en los
artistas en lugar de en las obras de arte.
La figura del mecenas
- Son los protectores de los artistas, quienes los incentivan, los animan a crear e incluso en
ocasiones los mantienen.
Los tratadistas, críticos y biógrafos
- Aparecen los teóricos del arte, que recogen en su obra escrita las experiencias artísticas pasadas
y presentes.
El estudio de los prototipos clásicos y de la naturaleza
- Además de estudios teóricos los artistas del Renacimiento estudian directamente los prototipos
clásicos. Se fomentó la arqueología, lo que facilitó al artista el conocimiento directo de las obras
de la antigüedad, difundidas por toda Europa gracias al desarrollo del grabado.
Las ideas antropométricas: orden, proporción y armonía
- Junto con la idealización debemos mencionar aquí también la obsesión renacentista por el
orden, la proporción y la armonía, que transmitan serenidad, mesura, equilibrio, etc.
- La figura humana será el centro de interés de la obra de arte, que seguirá siempre sus
proporciones, sus medidas.
La visión unitaria
- Belleza no sólo en las proporciones, también en el sentido unitario de la obra, une la visión
unitaria que ofrece: la obra de arte debe presentarse al espectador simultáneamente y en su
conjunto, debe ofrecerse unida.
LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA
Características generales
- Toman como fundamento las formas básicas geométricas claramente perceptibles: círculo,
cuadrado, cubo, etc., mostrando especial preocupación por las proporciones matemáticas de las
construcciones, tanto en las estructuras como en las plantas establecen unas relaciones simples de
longitud, altura y profundidad, conseguidas a partir de módulos y de minuciosos cálculos
matemáticos, existiendo un equilibrio entre las dimensiones de la planta y la altura, sin
predominar lo vertical sobre lo horizontal.
Los arquitectos del Quattrocento (siglo XV)
A) Filippo Brunelleschi
+ Cúpula de Santa María dei Fiori
+ Finalización de la fachada de la Iglesia de Santa María Novella de Florencia
C) Michelozzo Michelozzi
+ Palacio Médici-Ricardi de Florencia
Los Arquitectos del Cinquecento (siglo XVI)
A) Donato Bramante
+ Proyecto de San Pedro del Vaticano
B) Antonio Sangallo, el Joven
C) Miguel Ángel Buonarroti
Los Tratadistas del Clasicismo
A) Jacopo Vignola
+ El palacio de la Villa Farnese en Caprarola
B) Andrea Palladio
+ La Villa Capra (la Rotonda)
C) Giacomo della Porta
+ La Fachada de la Iglesia del Gesú de Vignola en Roma
La Arquitectura Manierista
- Encontramos rasgos manieristas en obras anteriores, por ejemplo la Biblioteca Laurentiana de
Miguel Ángel, preludia el Manierismo, apenas hay espacio suficiente para ella en el vestíbulo,
las columnas están dentro del muro, etc.
- El Manierismo es una época de crisis cultural, que se manifiesta en la arquitectura poniendo en
duda la validez de lo clásico e iniciando el dinamismo protobarroco:
+ Los arquitectos no aportan nuevos elementos sino que combinan de una forma nueva
los ya existentes, multiplican los elementos arquitectónicos empleando los de un modo
arbitrario.
+ Se apartan del racionalismo renacentista, no se busca la proporción ni la armonía.
+ Se buscan efectos sorprendentes y pintorescos, etc.
- Ejemplos:
+ Palacio y Pasaje de los Uffizi de Florencia, de Vasari.
+ Patio interior del Palacio Pitti de Florencia, de Ammannati.
LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
La aparición del Renacimiento en España: cronología y contexto histórico
- Las características sociales de la España del momento distaban bastante de las que se habían
observado en Italia en el período de gestación del Renacimiento: mientras en Italia el
resurgimiento de la actividad comercial y del mundo urbano marcaron el contexto en que se
desarrolló el Renacimiento naciente, en España, en cambió, en los albores del siglo XVI el
fenómeno mercantil sólo se daba con fuerza en Cataluña y Valencia; al mismo tiempo, si en
Italia la aparición de la burguesía y su enriquecimiento hicieron posible que dicha clase social se
convirtiera en uno de los principales clientes de los artistas renacentistas, en España eran la
iglesia, la nobleza y la monarquía absolutista las que seguían ostentando el poderío económico;
sin embargo las circunstancias políticas del momento, profundamente marcadas por la
consecución de la unidad nacional y por el descubrimiento del Nuevo Continente a finales del
siglo XV, hacían de España un reino con grandes perspectivas, lo cual también facilitó la
penetración de Renacimiento.
La arquitectura del Renacimiento Español
A) La evolución de las formas arquitectónicas a finales del siglo XV
B) El Primer Renacimiento: El Estilo Plateresco
+ La Puerta de la Pellejería de la Catedral de Burgos, de Francisco de Colonia.
+ La Escalera Dorada de la Catedral de Burgos, de Diego de Siloé.
+ El Paraninfo de la Universidad de Alcalá de Henares, de Pedro Gumiel.
+ La Fachada de la Universidad de Salamanca, de autor anónimo.
+ Fachada de la Iglesia de San Esteban de Salamanca, de Juan de Álava.
+ El Palacio de Monterrey de Salamanca, de Rodrigo Gil de Hontañón.
C) El Clasicismo Renacentista: El Estilo Purista
+ La Fachada de la Universidad de Alcalá de Henares, de Rodrigo Gil de Hontañón.
+ De Alonso de Covarrubias destacan: los Patios y las Escaleras del Hospital de la Santa
Cruz de Toledo.
+ El Palacio de Carlos V de Granada, de Pedro Machuca.
+ La Catedral de Granada, de Diego de Siloé.
+ De Andrés de Vandelvira La Catedral de Jaén.
D) Arquitectura del Bajo Renacimiento Español: El Estilo Herreriano
LA ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA
La escultura del Quattrocento (siglo XV)
+ Segundas Puertas del Baptisterio de Florencia
+ David de bronce
La escultura del Cinquecento (siglo XVI)
A) Miguel Ángel Buonarotti
+ David
La Escultura Manierista
+ El Rapto de las Sabinas de Juan de Bolonia.
+ Perseo con la cabeza de Medusa de Benvenutto Cellini.
LA ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
- Las características sociales de la España del momento distaban bastante de las que se habían
observado en Italia en el período de gestación del Renacimiento: mientras en Italia el
resurgimiento de la actividad comercial y del mundo urbano marcaron el contexto en que se
desarrolló el Renacimiento naciente, en España, en cambió, en los albores del siglo XVI el
fenómeno mercantil sólo se daba con fuerza en Cataluña y Valencia; al mismo tiempo, si en
Italia la aparición de la burguesía y su enriquecimiento hicieron posible que dicha clase social se
convirtiera en uno de los principales clientes de los artistas renacentistas, en España eran la
iglesia, la nobleza y la monarquía absolutista las que seguían ostentando el poderío económico;
sin embargo las circunstancias políticas del momento, profundamente marcadas por la
consecución de la unidad nacional y por el descubrimiento del Nuevo Continente a finales del
siglo XV, hacían de España un reino con grandes perspectivas, lo cual también facilitó la
penetración de Renacimiento.
La Escultura del Renacimiento Español
- La escultura renacentista llega a España gracias a artistas italianos, como Fancelli y Torrigiano,
o a los españoles que viajan a Italia a formarse, como es el caso del gran Alonso Berruguete.
Contexto artístico del siglo XV: permanencia gótica e influencia flamenca en la
escultura española
- La escultura renacentista de concepción clásica, la inspirada en la imaginería italiana, la que
centraba su objetivo en el retorno a las formas clásicas de la Antigüedad y en la búsqueda a
ultranza de la belleza formal, no se introdujo en España ni con rapidez ni con facilidad.
El primer tercio del siglo XVI: La influencia del renacimiento italiano
.
A) La introducción de las formas escultóricas renacentistas
- Domenico Fancelli y Pietro Torrigliano fueron los dos italianos que más contribuyeron a la
introducción y difusión del Renacimiento italiano en España.
- Fancelli, de formación florentina y gusto por el preciosismo detallista:
+ El Sepulcro del Príncipe Don Juan en Santo Tomás de Ávila.
+ Los Sepulcros de los Reyes Católicos en la Capilla Real de Granada.
+ San Jerónimo Penitente.
+ El Retablo Mayor de la Catedral de Huesca.
+ El Sepulcro de Alonso de Madrigal, el Tostado, en la Catedral de Ávila.
+ La Decoración del Trascoro de la Catedral de Burgos.
+ El Retablo de la Capilla Real de Granada.
B) Las formas escultóricas plenamente renacentistas
- Las escultura hispánica de formas plenamente renacentistas empieza con Bartolomé Ordóñez y
con Diego de Siloé, ambos atraídos por el estilo de Miguel Ángel.
+ El Trascoro de la catedral de Barcelona.
+ Los Sepulcros de Juana la Loca y de Felipe el Hermoso.
+ Relieve de San Juan Bautista de la Sillería de San Benito de Valladolid.
+ Sagrada Familia del Museo de Valladolid.
El Pleno Renacimiento español del segundo tercio del XVI: El Manierismo, la
Escuela de Valladolid
+ Retablo de San Benito del Museo de Valladolid.
+ La Adoración de los Reyes Magos del Retablo de la Iglesia de Santiago de Valladolid.
+ La Sillería del Coro de la Catedral de Toledo.
+ El Grupo del Santo Entierro de la Catedral de Segovia.
El tercer tercio del siglo XVI: La Escultura del bajo renacimiento español
+ Carlos V dominando el Furor:.
+ Estatuas de Carlos V y Felipe II en la Iglesia del Monasterio de El Escorial.
LA PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA
- En las ciudades italianas la pintura experimenta un extraordinario impulso y una mutación
constante.
Evolución de la Pintura en el Quattrocento
- Sigue siendo el fundamental el tema religioso, pero ahora tratado en ocasiones como si fuera
profano, tema que también se cultiva, junto con el mitológico, y como reflejo del individualismo
de la época se generaliza el retrato.
- Las composiciones son complicadas, pero es muy importante el sentido unitario del conjunto.
- La luz se maneja cada vez con mayor perfección, sobre todo para captar los volúmenes, pero
falta de cohesión entre el color y la forma, típico de la pintura italiana del momento, color no
como resultado de la luz, sino superficie coloreada acotada por la línea. El dibujo es el elemento
capital, por lo que los contornos son nítidos.
- El pintor del siglo XV está obsesionado sobre todo por la captación de la profundidad, por la
perspectiva, utilizando para conseguirla los paisajes y las arquitecturas.
- También se camina hacia la consecución del movimiento.
- Se busca la belleza idealizada, evidente sobre todo en los desnudos.
- Estudio del hombre en todos los aspectos, sobre todo en la representación de sus sentimientos.
A) Sandro Botticelli
Evolución de la Pintura en el Cinquecento
- Mejor manejo del color.
- La luz adquiere una nueva importancia y con ella las sombras.
- Ya no obsesión por la perspectiva, la profundidad se consigue ahora de una forma más natural,
sin esfuerzo.
- Los paisajes se enriquecen, son más variados, unos luminosos, otros neblinosos o
crepusculares, etc.
- La composición es clara.
+ La Virgen de las Rocas
B) Miguel Ángel Buonarroti
+ Frescos de la Bóveda de la Capilla Sixtina
La Pintura Manierista
- Arbitrariedad en el uso del color y las proporciones, que se alteran a voluntad, generalmente
alargando las figuras, caracterizadas además por sus expresiones angustiadas, por ser
serpentiformes, abundantes en escorzos, constreñidas por marcos estrechos y por situarse en
ocasiones ante fondos negros, en los que resaltan las figuras como auténticos objetos de luz,
características estas últimas ya casi barrocas.
- Bronzino: caracterizado por composiciones de figuras retorcidas en forzadas actitudes,
potenciando el dramatismo, como en Venus, Cupido, la Locura y el Tiempo.
- Corregio: maestro del escorzo, de la luz, las formas suaves e ingrávidas y de los rasgos
delicados en las figuras femeninas e infantiles, como en Ganímedes y en Leda y el cisne en los
temas mitológicos o en Noli me tangere en los religiosos; supone el paso hacia el barroco en las
pinturas al fresco de sus cúpulas.
- Parmigianino: caracterizado por sus composiciones artificiosas, propias del Manierismo, como
en su Madonna del cuello largo.
LA PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
La introducción del Quattrocento italiano
- Se introduce el Renacimiento en la pintura de Castilla por Pedro Berruguete, que viajó muy
joven a Italia, donde trabajó bajo el mecenazgo del duque de Urbino Federico de Montefeltro, lo
que le permitió conocer a los principales artistas del Quattrocento.
Influencia de los grandes maestros italianos del siglo XVI
- Dentro de esta etapa hay un importante foco de pintores en Valencia, donde las influencias de
Leonardo Da Vinci y Rafael verdaderamente están muy latentes.
- Tal es el caso de Yáñez de la Almedina y Juan de Juanes.
Pintores del Bajo renacimiento
- Destaca en este sentido Luis de Morales “El Divino”: de formación rafaelesca y manierista, sus
figuras son alargadas, blandas y de colores fríos, siendo precedente de El Greco; es autor de
Vírgenes piadosas y Cristos dolientes, destacando su Virgen con el Niño del Museo del Prado.
+ Antonio Moro, retratista holandés, su gran obra Retrato de María Tudor.
+ Alonso Sánchez Coello, que hizo retratos de Felipe II, Ana de Austria, el Príncipe
Carlos y las hijas de Felipe II, Catalina Michaela e Isabel Clara Eugenia, de elegancia
severa acorde con el rango de los retratados.
+ Juan Pantoja de la Cruz, que vive ya en la Corte de Felipe III, a caballo entre los siglos
XVI y XVII, pintor cortesano por excelencia por el grado de ornamentación, la fina
percepción psicológica y la solemnidad que confiere a sus personajes, como Isabel de
Valois.
- En los últimos años del siglo XVI a estas influencias se suman las de la Escuela Veneciana,
sobre todo de Tiziano y Tintoretto, destacando Juan Fernández de Navarrete “El Mudo”, que
trabajó en la decoración de El Escorial, donde en obras como el Martirio de Santiago o el
Martirio de San Lorenzo muestra el sentido colorista e impresionista de los venecianos, mediante
una pintura suelta y de grandes efectos de luces y sombras que crean efectos dramáticos que se
pueden ya considerar tenebristas, convirtiéndolo en precedente de la pintura barroca española.
EL GRECO
- Domenico Theotokopulos (1541-1614), oriundo de Creta se cree que comenzó como pintor de
iconos en el convento de Santa Catalina en Candía, de esta etapa bizantina conservó su
valoración de la importancia del mundo trascendente por encima de la simple copia de la
naturaleza.
+ La Trinidad.
+ El Expolio.
+ El martirio de San Mauricio.
+ El entierro del Conde de Orgaz.
+ El caballero de la mano en el pecho.
+ Un caballero.
+ La adoración de los pastores.
